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De lo “pobre” al museo

Por Atziri Servin Pichardo.

Cada vez es más común entrar a un museo de arte contemporáneo y encontrar cosas que, a primera vista, uno se pregunta si lo que se nos presenta es en verdad un objeto artístico, en esta ocasión hablaremos de una corriente muy popular, un arte “basura” (más adelante veremos el por qué de este término), me refiero al Arte Povera.

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El arte povera viene del italiano y significa “arte pobre”, es una tendencia artística (dada a conocer por primera vez en una exposición veneciana en el año 1967) que pretende huir de la comercialización del objeto artístico, tratando de provocar una reflexión entre el objeto y su forma a través de la manipulación del material y la conservación de sus cualidades específicas.

Este tipo de arte le da preferencia al contacto directo con los materiales utilizados sin importar su procedencia, uso, que sean reutilizados o transformados por el artista; de ahí que el “povera” fue adoptado gracias a los materiales “pobres”, objetos sin valor real ni artísticos, triviales y ajenos a lo que comúnmente adoptamos como bello o hermoso utilizados por los artistas; tales como madera, hojas, rocas, placas de plomo, cristal, vegetales, telas, carbón, arcilla, materiales de desecho carentes de valor; proponiendo una importante reflexión estética sobre la relación entre el material-obra-proceso, a la vez que propone la revalorización de la pobreza y lo marginal haciendo uso de la creatividad y espontaneidad recuperando la inspiración, energía, placer e ilusión convertida en utopía a través del arte.

Por medio de los materiales que utilizaban buscaban darle un valor diferente a las estructuras que conseguían a partir de materiales impuros y hasta repulsivos dotándolos de un espíritu poético, redirigiendo la atención del espectador hacia aspectos cotidianos y rutinarios a los que no se les había dotado de ninguna cualidad artística.

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Esta corriente se trata de un arte objetual que aparece como respuesta directa al arte minimalista y pop art, como una reacción frente al arte tradicional en la medida en que ésta es considerada bella y de nobles materiales; pues, mientras el minimal posee una geometría muy estricta, el arte povera rechaza esta frialdad profundizando la energía que desprenden los materiales utilizados.

Los artistas povera asumían una nueva actitud, donde tomaban posesión de una realidad que era el verdadero sentido de su ser, proponiendo un modo de vida inventivo y antidogmático; trabajando sobre cosas del mundo, produciendo hechos mágicos, descubriendo la raíz de los acontecimientos a partir de los materiales que utilizaban y los principios dados por la naturaleza. Este arte era considerado por los artistas como una extensión de su cuerpo y alma, conectándose directamente con el entorno, la naturaleza y todo aquello que los rodea, logrando entrar en armonía.

El arte povera está basado en la relación entre el objeto y su configuración, valorados a partir de dos aspectos: el procedimiento de fabricación y manipulación del material y, por otro lado, el material mismo; las obras parten de una acción (modelar, estrujar, doblar, apilar, desgarrar, torcer), de una transformación natural o del propio material transformado por un ligero movimiento o acción.

Entre los artistas más destacados del arte povera podemos mencionar a Antonio Tàpies, Giovanni Anselmo, Mario Merz, Gilberto Zorio, Giuseppe Penone, Michalangelo Pistoletto, Luciano Fabro, Pino Pascali, Janis Kounellis, Lawrence Weiner, Richard Serra, Robert Morris y Hans Haacke.

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INTERNARTE:

Mario Merz

  • Escoge entre elementos informales y orgánicos.
  • Enfatiza el paso de la opacidad a la transparencia.
  • Amante de los contrastes y contradicciones, utiliza el iglú para patentizar la interacción entre espacios.
  • Utiliza espirales, busca huir del centro y proyectar lo cercano al infinito, simboliza la idea de laberinto. El neón como escritura es un elemento clave de sus procesos de trabajo.

Jannis Kounellis

  • Interés en el uso de materiales pobres tanto inorgánicos como orgánicos: metales, piedras, carbón, lana, algodón, etc.
  • Hace presente la naturaleza viva y fenómenos como el fuego.
  • La utilización de fuego y de llamas será frecuente en su trabajo.

Gilberto Zorio

  • Preocupado por la acción.
  • Se conjugan energías mentales y físicas.
  • Utiliza la acción violenta escribiendo en la pared a golpes de hacha palabras como “odio”.
  • Pretende que las palabras y su representación recuperen su energía, signifiquen y provoquen aquello mismo que designan.

Giovani Anselmo

  • Incide en la mutación y perdurabilidad.
  • La obra de arte es un organismo que puede vivir y morir.

Giuseppe Penone

  • Realiza sus primeras obras en los bosques de Garessio, buscando una clara confrontación entre naturaleza, ambiente y cuerpo.
  • Partiendo del trabajo de su abuelo, elige un árbol de 22 años excavando su tronco hasta poder contar los anillos, delimita su perfil con diez clavos y luego lo rodea con 22 plomos ligados con una cuerda.
  • Cada año se añadirá un plomo y, como el artista establece en su testamento, en el momento de su muerte se levantará un pararrayos en lo alto del árbol.
  • Cuando un rayo lo alcance, éste fundirá las piezas de plomo y será como fundir la vida.

Joseph Beuys

  • Artista alemán muy controvertido del periodo de la posguerra.
  • Sus obras fueron revulsivas llamados a la reflexión. Utilizaba la grasa y el fieltro.
  • Toma elementos filosóficos, mitológicos, médicos y religiosos.
  • En 1962 comienza sus actividades en fluxus.
  • Entre sus performances se encuentra en el que pasa 24 hrs, dentro de una caja de naranjas.
  • Una de sus mas famosas instalaciones fue la de “COYOTE” en la que pasó un día cubierto con una manta de fieltro conviviendo con un coyote.

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