La trivialidad del Pop Art

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Por Atziri Servin Pichardo.

Cuando vemos varias veces seguidas una fotografia macabra, acaba por no producimos ningún efecto.

Andrew Warhola, Jr. (6 de agosto de 1928 – 22 de febrero de 1987), mejor conocido como Artdy Warhol fue un hombre polifacético que en sus inicios trabajó como publicista, ilustrador y decorador; experimentando también como pintor y realizador de films underground, pronto descubrió las posibilidades plásticas de las imágenes comerciales que empezó a reproducir con toda precisión. En la “Factory” (nombre que da Warhol a su estudio), se llevaban a cabo distintas series que Warhol únicamente supervisaba y firmaba, sin mayor participación que el agregar efectos accidentales o pinceladas.

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Una sensación de artificialidad como reflejo del modo de vida norteamericano (mecanizado y deshumanizado) son el elemento recurrente de las obras de Warhol, realizadas a partir de 1962 por el procedimiento fotomecánico de la serigrafía basadas en el concepto de la repetición, aplicando sobre ella toques de color con el pincel. A finales de los cincuenta y principios de los 60’s varios aristas insertaron en sus cuadros objetos de consumo cotidiano, corrientes y vulgares; desde la imagen de Marilyn Monroe hasta botellas de la más conocida marca de refrescos de cola. Fue tal su éxito que Estados Unidos se convirtió en el máximo exponente en el campo de las artes visuales mediante la reivindicación de objetos triviales.

La serie de Latas de sopa Campbell, conocida como “32 latas de sopa Campbell”, fue producida por Warhol en 1962 y es uno de sus trabajos más conocidos. La lata de sopa Campbell es una de las imágenes más reconocidas por cualquier americano, el envase es presentado frontalmente para que sea bien apreciado; la obra sugiere una uniformidad que se repite en todas las casas que tengan un objeto similar, una representación banal y cotidiana del espíritu de nuestro tiempo. La apariencia similar al dibujo de reproducciones publicitarias, incluso de apariencias fotográficas no molestan al pintor, que pretende provocar e incluso ridiculizar la sociedad de consumo americana. Los representantes puros del Pop- Art afirman el arte de la vulgaridad para borrar la frontera entre el arte y la vida. Warhol rechaza el modo de vida norteamericano, estereotipado y angustiado, estimulado a partir de slogans visuales. En la sociedad de consumo, las cosas-objeto se han convenido en protagonistas, mientras que las personas sufren una progresiva deshumanización.

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Al plasmar mitos sociales, desmitifican tanto la civilización posmoderna, como la tradicional obra de arte, cuyo contenido ahora es fácil y trivial. El arte también se consume, no sólo se trata de un arte original y revolucionario; su arte resulta fría, distante y muestra la no creatividad de la multitud aglomerada en las ciudades. Es un arte asimilado por la sociedad y por quien la domina.

INTERNARTE:

– «Si quieres saber algo de Andy Warhol, solo mira la superficie de mis pinturas, mis películas y a mí: yo estoy allí. No hay nada escondido. Warhol se considera a sí mismo como una máquina, y más que hablar de pinturas prefiere hablar de «productos industriales» – «Pienso que cualquiera podría hacer mis pinturas por mí (…) La razón por la que pinto de esta manera es porque quiero ser una máquina»

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